Poetic Realism fourplusone: Vicente Heca paintings

domingo, 7 de noviembre de 2010

Vicente Heca paintings

PARA VER INFORMACIÓN COMPLETA VISITAR PAGINA WEB:

http://sites.google.com/site/vhecapintor/

Vicente Herrero “Heca”

Email: v.heca.pintor@gmail.com

□ Education / Educación

Instituto Ciencias de la Educación, completed C.A.P. (pedagogical aptitude course), 2005
Universidad Politécnica de Valencia, B.A. in Fine Arts, 1996
Brooklyn Museum Art School, New York Alpha Holographics, and New York Holographic Laboratories
Escuela Superior de Bellas Artes of San Carlos, Valencia, Spain, licensed as Professor of Drawing / Profesor de Dibujo, 1976,

□ Teacher of drawing and painting / Profesor de Dibujo y Pintura, Europe, USA, and the Dominican Republic

□ Resident artist / Artista en residencia, Altos de Chavón, Dominican Republic, sponsored by Gulf & Western Co.

□ Works in / Obras en:

Hilton Valencia, Spain
The Royal Bank of Canada
Circulo Cultural de España, New York
Casa de España, New York
Altos de Chavón Foundation, Dominican Republic
Museum of Modern Art, Santo Domingo, Dominican Republic
Museum of Contemporary Art, Mallorca, Spain
Collection of C. Guggenheim
Collection of Sir Cedric & Julian Moulton, Mallorca
Ateneo Científico, Literario y Artístico, Alicante

“Uno de los mejores pintores hiperrealistas actuales de España es sin duda Vincenç Heca.” [One of the best current hyperrealistic painters in Spain is without doubt Vicente Heca.] —J. Mascaró Passarius, de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid); Critico de Arte del periódico Baleares

□ Biography / biografía:

Diccionario de Pintores Españoles (Dictionary of Spanish Painters)
Diccionario de Artistas Valencianos (Dictionary of Valencian Artists)

.Pintores y Escultores Actuales (Contemporary Painters and Sculptors)

Gran Enciclopedia de Mallorca (Great Encyclopedia of Mallorca)

Enciclopedia de las Artes Plásticas Dominicanas (Encyclopedia of Dominican Plastic Arts

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JULIÁN ORTIZ DOMÍNGUEZ

Quizás lo más extraordinario de las esculturas de Julián Ortiz es que no tienen parangón. No se pueden comparar a nadie. Y además se escapan del análisis técnico, de la crítica erudita para acercarse al sentimiento. Son piezas que deben verse y valorarse con el corazón, no con la cabeza. Que inspiran emociones.

Su producción escultorica se realiza exclusivamente en bronce lo que le confiere una calidad materica excepcional.

Siendo la fundición realizada mediante la técnica llamada “ala cera perdida” por la cual la figura original modelada en cera se destruye en el momento del vertido del metal, dando lugar a piezas únicas e irrepetibles.

Igualmente únicos son los temas que inspiran cada pieza la constante producción y trabajo de investigación del autor deviene en un catalogo de obras en que cada nueva entrada tiene su ADN definido y propio adquiriendo personalidad y un carácter individualizado.

Muchas de sus figuras son instantes congelados de una acción en curso lejos de la inmovilidad hieratica propia de la imaginera figurativa, la tensión de los cuerpos y la posición de los miembros convierten alas figuras en escenas detenidas momentáneamente como el fotógrafo de una película.

Con el botón de pausa pulsando que en el momento de soltarlo completaría el movimiento iniciando ese aspecto de acción detenida confiere ademas alas figuras una sensación de equilibrio inestable resuelto.

Con un dominio de la técnica que posibilita el desplazar el centro de gravedad de la figura sin comprometer la estabilidad física y plástica de la pieza el enlogamiento exagerado de los miembros aportan ademas de dramatismo plástico y de ahondando en el párrafo anterior , sensación de movimiento una muestra espiritualidad gótica las expresiones de los rostros con cabezas desnudas son una muestra mas de expresividad pues las presenta abiertas hablando, gritando, riendo, comunicando, así es la obra de Julian Ortiz ante todo un medio de comunicación de sentimientos y sensaciones.

Tito del Muro

Comisario & Critico de Arte

“Aunque viajemos por todo el mundo para encontrar la belleza, debemos llevarla con nosotros para poder encontrarla”

Ralph Waldo, poeta y pensador estadounidense

¿Puede existir “química”, atracción irracional, entre una materia inerte y un ser humano?

Julián Ortiz nos da, con su obra, la respuesta a esta enrevesada pregunta. Su creación escultórica dimana magnetismo. Una atracción que cautiva, fundamentalmente al espectador sensible y refinado. Su lenguaje gestual nos llama a voz en grito, con voz muda. Una escultura de Julián Ortiz no es un mero desarrollo plástico. El autor crea seres vivos encerrados en su caparazón de duro bronce. Quizás por ello pretende gritar, llamar la atención, dejar escapar su alma por entre los resquicios de la fundición.

Las esculturas de Julián Ortiz son instantes de la vida congelados en el tiempo y en la acción. Desarrolla todo un universo de inusual imaginación al que le presta su propio aliento vital.

Es su obra capaz de acaparar los cinco sentidos de quien la observa.

Su textura rugosa, agrietada, incita a acariciarla no como quien acaricia la piel tersa de un niño o una muchacha inocente y cándida, sino con la veneración con que se acaricia la piel de una madre, de un abuelo, en la que su experiencia vital y su sabiduría esta escrita en cada surco que transita su semblante. Del mismo modo al tocar, acariciar con devoción la piel fría y rugosa de las esculturas de Julián Ortiz, uno puede sentir la fuerza de su ejecución, las manos que la moldearon y la sabiduría con que fue engendrada.

Del tacto a la vista. Los cuerpos sarmentosos, deformes, expresan en su gestualidad los temas que representan, con potente expresividad que sumerge al espectador en su mundo de ideas, de sentimientos.

El olor del metal fundido nos evoca lo primigenio, lo auténtico. El poder de la naturaleza, de lo creado en los albores del mundo. Nos huele a fuego, a tierra, a verdad, a una verdad dura y sincera como el mismo material de que esta hecha.

El más alto cometido del arte, a mi entender es comunicar, emocionar, Y estas dos misiones las cumple Julián Ortiz con grado de excelencia. Es la suya una obra que puede gustar o no gustar, pero en ningún caso dejar indiferente.

Por su originalidad en los temas y la recreación de los mismos, por el mismo material y técnica utilizado, las convierte en obras únicas e irrepetibles, dotadas de su propio código genético. Comparten la sangre y el alma de su creador, pero como seres independientes, cuando salen del horno de fundición han conquistado su propia personalidad.

Pero en cualquier caso quisiera rematar estas líneas con unos apuntes más académicos.

Las esculturas de Julián Ortiz, trabajadas con la técnica llamada “a la cera perdida”, sin moldes que puedan permitir seriarla, se convierten en piezas únicas.

Su estilo se encuadra sin dificultad y con notoriedad dentro de un neo expresionismo, combinando razón y pasión. Se expresa desde dentro hacia fuera, desde la idea a la materia. Mantiene rasgos formales muy particulares que la hacen fácilmente reconocible en sus trazos y formas.

Julián Ortiz lleva ya un largo camino recorrido en su trabajo de creación. Un camino tan sólido como las piezas que crea.

Una apuesta de futuro, desde un análisis del presente del ser humano.

Tito del Muro

Escritor y crítico de arte.

NICOLETTA

"en el corazón, eterna la semilla de un sueño brotando"

Llevo pintando desde los 27 años....
No es que a esa edad tuviera mi primer contacto con la pintura. De niña solia emplear
casi todo mi tiempo en dibujar y pintar, pero con la adolescencia aquella dedicación
se fue diluyendo en el ruido del mundo que me rodeaba y en la prisa de mi propia juventud. Pintar se quedó en un rincón de mi indolencia, como algo que retomaría algún dia...
Unos cuantos años después tuve a mi hijo, y al poco tiempo volví a tener tímidos encuentroscon la pintura, algún oleo solitario y acuarelas.
Fue a los 27 años, coincidiendo con mi llegada a Valencia, la ciudad en la que vivo
actualmente, cuando todo esto empezó a fluir.
Soy autodidacta. He ido aprendiendo paso a paso, a base de errores, mucho de intuición
Y una buena dosis de empeño,...... .como todo el mundo, supongo.
Mis primeras grandes influencias fueron Toulouse Lautrec y Degas, y el material con el
que me expresaba era siempre el pastel. Me gustaba su inmediatez y su energia, y entre
otras cosas no tenia tantas reglas como el oleo, al menos eso me parecia a mi....
En mi primera epoca al pastel, la mayoria de mis cuadros estaban inspirados en mis
propias vivencias y en el entorno que me rodeaba, noche, calles, bares, mi casa, gente..
Oscuridad, luz, y la frescura que tienen siempre las primeras pinturas de cualquiera que
no esta sometido a reglas, esa era mi pintura del principio.
Poco a poco fui observando más la realidad de las cosas, y mi pintura se hizo más y mas
realista, basada casi siempre en el barrio viejo de Valencia, en la decadencia de lo viejo, la obsesión por la luz...

Aprendí mucho en esa parte del camino, aprendí de la técnica y de la paciencia, pero
tambien aprendí del hastío y del largo año de vacio creativo que le siguió. No tenia
nada que decir y todo parecia como volver a empezar de cero...
De qué manera se fue gestando un nuevo camino no sabría precisarlo, sólo tenia claro
tres cosas : huir del realismo puro ,centrarme en la figura humana, y pintar desde dentro ...inventar.....imaginar.
Así surgieron los amantes. Pintar ese amor, esa isla de consuelo, pintar la energía que nos mueve en ese estado de embriaguez, en el que parece que somos mejores...
Pero no quería pintar la "realidad" de esto. No he querido modelos. Yo quería un lenguaje corporal que llevara toda la emoción de este baile del amor, el fisico, si,
pero sobre todo el del amor interior, el drama de la pasión, eso que se irradia , eso que
no se toca, pero que se siente...
Bebí de muchos pintores..Klimt, Schiele, Picasso, Gauguin...y de tantos otros..he tomado todo lo que me valiera de cada uno de ellos...
Mucho dibujo, tratando de que mis parejas se acoplen, buscando la armonia en la deformación......
Y entre acrílicos, acuarela, fascinante material, porque casi no pienso, es como si yo
fuera un medio por el que todo fluye...
En fin, este ha sido el largo viaje de los amantes, mi último viaje. Ahora empieza otro nuevo, del cual forman parte "esperando Abril", "Presencia", "Olvido","Dama Drama"
"Ser o no Ser" y "la Muerte y la Doncella"..ahora quisiera bucear por otros recodos del alma humana...
´No lo sabia antes, pero ahora sé, que la pintura es para mi el mejor camino para
encontrar mi esencia, quitarme piedras de la mochila, y vivir, estar viva, y ser
yo, en definitiva. Es fascinante saber que no se nada, que se aprende cada dia...

Vicente Heca

El tema de mis cuadros lo conforman, pequeñas piedras, cantos rodados, trocitos de ramas, maderas, caracolas, latas oxidadas, canicas de cristal y demás objetos encontrados en la orilla del mar, modelados con el paso del tiempo por el aire y por el agua, formando caprichosas esculturas llenas de diminutos recovecos, grietas y orificios que sirvieron de protección a insectos, huellas y hendiduras de raíces de plantas, manchas de musgos y corales, objetos que nos hablan de sus vivencias, sobre un fondo gris plano que contrasta con la texturas de las piedras y caracolas, este contraste entre la superficie plana y las texturas se evidencia especialmente cuando pinto papel o tela arrugada, dividiendo el cuadro en dos áreas, extremadamente bien delimitadas, que para mi significan la dualidad del ser humano, es una forma estética y actualizada de representar el yin y el yang, lo positivo, lo negativo.

La esfera o canica de cristal es un elemento que se repite en casi todas las pinturas, es el nexo que aúna toda la obra y simboliza al ser humano, la canica colocada en diferentes situaciones, nos habla en ese entorno de una actitud de ánimo o de un pensamiento, aunque casi toda la obra gira alrededor del estado actual en que se encuentra el planeta, utilizando el lenguaje metafórico y en muchas ocasiones triste, pero sin perder de vista la poesía y belleza que emana del colorido y las formas de los objetos en que me inspiro para pintar.

Una constante del ser humano consiste en intentar desvelar los misterios de la creación, esta premisa adquiere una especial relevancia cuando quien hace la indagación es en sí mismo un creador, denominación que puede parecernos un tanto presuntuosa pero inherente a aquellos que nos dedicamos al arte.

Cuando hablo de creación, me refiero en todo momento a la doble acepción de esta palabra, la cohesión que existe entre el origen del universo y la más cercana aunque con miles de años de antigüedad que es la producción de la obra de arte. El artista desde su juventud se siente impulsado, según sea pintor, escultor o músico a representar colores, formas, imágenes, contar historias o hacer sonar notas musicales, esta inquietud, sucede según mi propia experiencia debido a tener desarrolladas ciertas facultades que nos hacen captar longitudes de onda emitidas por objetos o seres desde diferentes puntos del universo, convirtiéndonos así más que en creadores en receptores-transmisores de estas ondas, plasmándolas en nuestras obras y ofreciéndolas a la consideración del publico que al profundizar en el significado de los objetos-símbolos y descubrir y descifrar el mensaje de forma personal y diferente al artista, el espectador se transforma en el verdadero creador.

In my paintings I contemplate seemingly inanimate objects—glass marbles, wrinkled paper, small pebbles, weathered pieces of wood, and other items forming strange portraits that evoke a whole existence, all on a flat background that contrasts with their delicate texture painted in hyperrealistic style. This contrast between a flat surface and other textures is particularly strong when I paint paper or creased material, thus dividing the painting into two completely delimited areas, giving an aesthetic and modern outlook on the meaning of man’s duality, the yin and yang, positive and negative. The sphere or glass marble found in nearly all my paintings represents the nexus that links the elements of the whole work and symbolizes the human being. Each viewer, studying the meaning of these object-symbols in depth, will discover and decipher the message in a personal way, different from the artist’s, therefore transforming the spectator into a creator.

JESÚS COYTO

Su obra se encuentra repartida por diferentes entidades públicas y privadas, entre los que figuran el museo Municipal de Arte Contemporáneo de Madrid, Museo de Arte Contemporáneo de Salamanca, Museo de Colmenar Viejo, Museo de Bellas Artes San Fernando de Grabado de Madrid, Museo de Grabado de Marbella, Diputación de Salamanca, Museo Casa Lis (Salamanca), Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza, Caja Salamanca y Soriana, Caja Postal De Cuenca, Toledo y El Escorial, Ministerio de Economía y Hacienda de La Haya (Holanda), Casa Real de la Corona de Holanda, Universidad Complutense de Madrid, Museo de Arte Contemporáneo de Jaén, etc.

Ha participado con su obra en diferentes producciones televisivas nacionales y cinematográficas internacionales.

Ha participado en la exposición "Murmullos de la piedra" en conmemoración del 250 aniversario de la Plaza Mayor de Salamanca y a petición del Departamento de Cultura de Presidencia de Gobierno, se ha colgado la obra en la exposición de la Cumbre Iberoamericana.

Jesús Coyto ha participado en numerosos certámenes de arte dentro y fuera de España, esta en posesión de varios premios de pintura, Premio Goya, Premio Villa Madrid premio Diputación Provincial de Ciudad Real Premio Ayuntamiento Colmenar Viejo etc.

Su obra se ha colgado en múltiples ferias internacionales ARCO MADRID, KUNST RAI HOLANDA, ART LONDON INGLATERRA, LINEART BELGICA, ESTAMPA MADRID.

Numerosas exposiciones individuales y colectivas en prestigiosas galerías de arte Figuran en su currÍculum.

Reflexión personal

“El protocolo”

A veces cuando los sueños se almacenan, y los inciertos sentimientos se establecen. Me detengo: Es aquí donde los momentos se hacen hojas de un libro incongruente y las relaciones son agua que discurre por un cauce incierto, donde los amores son lluvia que absorbe febrilmente el permeable sentimiento.

Me pregunto: ¿Es cierto que el tiempo existe? ¿O solo es el efímero destello que inocula el jardinero que alimenta el parterre de emociones, alimento de los Dioses.

Auto entrevista

Mis Preguntas

Que significa la pintura para mi?
La pintura es la forma de expresión mas directa, es la imagen que a el espectador a través del tiempo le ha servido como información, es comunicación entre culturas, un medio narrativo que encadena épocas, para mi la esencia que perfuma otras formas artísticas teatro, cine etc. Todo este cúmulo de situaciones hacen de la pintura para mi el medio mas directo de expresión, de realización personal así como vocacional.

Cómo nació mi vocación artística?
Nací en el seno de una familia en el que mi padre era militar. nunca vi. un cuadro en mi casa y nunca se hablo de pintura. mi vocación es innata, siempre desde muy niño quise ser y soy pintor.

Que recuerdo de mis primeros pasos en el mundo del arte?
Mi gran afición al dibujo y mis primeros cuadros pintados para mi madre cuando era un niño. Recuerdo como algo mágico cuando ojeaba los comics de la época, esas viñetas que se convertían en escenas en movimiento. Mis visitas a las primeras exposiciones fueron para mi el descubrimiento de un mundo de color y de ficciones que se hacían realidad.

Que papel ha jugado la pintura en mi formación como persona?
Durante toda mi vida la pintura ha estado siempre presente en mi relación con la vida, el hecho de crear y plasmar un pensamiento, una idea , una reflexión me sumerge en una situación que tengo que resolver no solo plásticamente, también intelectual y espiritualmente. Esta sincronización constante crea en mi una inter-relación casi diaria con mi hacer resultando una simbiosis entre el dúo pintura y ser que ha determinado sin duda mi personalidad.

Que maestro o maestros he tenido?
Mi paso por la entonces Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) supuso el primer contacto con profesores que podrían ser maestros, sin embargo la desidia de algunos de ellos y el sentimiento burócrata de otros (recuerdo los grupos de algunos de ellos en los pasillos medrando en pos del decanato y otros puestos muy alejados de su cometido) crearon mi rechazo hacia tal entidad. No obstante termine la carrera sacando bastante mas provecho del contacto con mis compañeros que con los anteriores. Después el tiempo, mi paso por el tiempo. recibiendo información ha sido mi mejor maestro. Hoy después de muchos años pintando tengo la dicha de seguir descubriendo nuevas formas y tecnologías que me ayudan a seguir realizando y creando nuevos proyectos.

Quienes son mis pintores favoritos?
Todas las épocas son importantes, hablar de favoritos es difícil. Pasando por las diferentes escuelas clásicas hasta los movimientos actuales de vanguardia podría enumerar una cantidad importante de artistas que me interesan muchísimo pero creo que si tuviera que hablar de una me quedaría con el Renacimiento y con el siglo XX por su creatividad y su frescura. Para mi el siglo pasado supone un paso a una nueva era.

El mejor entre los mejores?
Creo que Leonardo Da Vencí es el mas completo como creativo.

Cómo definiría mi estilo pictórico?
Mi estilo en cuanto a plástica es una síntesis de diferentes técnicas adquiridas durante todo mi oficio. En cuanto a concepto creo que se encuadra dentro de un criterio personal de estética visual con connotaciones poéticas en el que el tema no es tan importante como el resultado plástico.

Se me puede incluir dentro de alguna corriente determinada?
Por mi forma de realización y las técnicas actuales con la que trabajo creo que me encuentro dentro de la corriente de "Nuevas Tecnologías".

Que corrientes pictóricas me han influido a lo largo de mi trayectoria?
Todas las corrientes que se basan en la investigación tanto a nivel técnico como social suponen para mi un motivo de indagación y estudio. Creo que la pintura en toda su amplia concepción es una tarea diaria en la que el pintor no es únicamente la parte realizadora, la misma pintura en si misma en su alumbramiento define junto a la base de datos del anterior la aventura de la realización de la obra y por consiguiente del nacimiento de el estilo. Conseguir una coherencia de pensamiento es mas importante para mi que la simple forma de presentación repetitiva plástica, Por eso y suponiendo la imposibilidad del conocimiento de todas ellas cualquier manifestación artística en cualquier situación y fecha en el tiempo puede ser para mi una fuente de inspiración constante.

Cambiaría algo en mi trayectoria pictórica?
No, todo el proceso a lo largo del tiempo en mi ha sido definitivo para conseguir el resultado actual. Es mas importante para mi el añadir que el cambiar, de esta manera enriquezco mis recursos y mi obra adquiere una visión mas universal. Creo que el resultado de mi evolución soy yo mismo con todas mis incidencias. No podría cambiar mi trayectoria.

Cómo veo mi propia evolución?
Positiva en cuanto a mi concepto, toda mi carrera ha sido una constante búsqueda de temas y técnicas complementarias entre si, en estos momentos estoy profundizando en una técnica creo muy personal que me permite muchas definiciones plásticas, en la cual me muevo muy a gusto.

Cómo definiría el momento actual de mi producción artística?
El hecho de trabajar en una técnica que me es propicia en cuanto a mi relación con ella, me permite desarrollar una constante en mi producción con pocas interrupciones. la cotidianeidad en el taller me permite una continuidad en la obra que al final se traduce en la coherencia que yo intento. En consecuencia mi producción es la lógica de este momento.

Hacia donde dirijo hoy mi obra?
Creo que la obra por si mismo toma una dirección que yo debe guiar, nunca en mi caso el criterio es definitivo, siempre hay una inter-relación entre ella y yo, ¿ cual es el camino ? no lo se, la elaboración diaria y las connotaciones propias así como las externas definirán esa aventura que es el echo de pintar.

Que pretendo transmitir con mis cuadros?
Intento con mis cuadros cuando me dirijo al espectador, abrir un portal al cual este tenga acceso de una forma participativa tanto emotiva como física e intelectual, el artista debe asumir el compromiso de la independencia que el observador puede adoptar ante el cuadro, de esta manera hablamos de un espacio plural en el que la obra es en si el elemento transmisor y captador. Después el espectador decide.

Que me gustaría que dijeran de mi los críticos del mañana?
Nunca pienso en el mañana cuando pinto, soy un narrador de mi época y como tal actuó . El alto proceso evolutivo, tecnológico y social que mueve el mundo actualmente en los sectores capitalistas, que generalmente controlan el sector de el arte. La ausencia de oficios manuales, hacen imprevisible el criterio que las nuevas generaciones dedicadas a procesos mas tecnológicos adopten de mi actual obra. En tal caso servirá que entiendan la honestidad en mi trabajo.

Hay algo de autobiográfico en mis cuadros?
En toda mi obra siempre están presentes mis recuerdos y mis vivencias. mi vida mis sueños influyen en mi a la hora de crear, soy un traductor constante de mi mismo. Vivo, sueño, y pinto.

Que papel juegan la luz, el color y las formas en mi obra?
Son parte integrante del gran compendio que formula mi pintura.

Que opinión me merece el panorama actual de la pintura en España?
Vivimos en una época en que las tecnologías priman sobre la imaginación, son situaciones en que la falta del conocimiento que el tiempo proporciona repercuta en la calidad de los trabajos. No obstante la osadía y la ingenuidad de lo nuevo hacen que en ciertos sectores artísticos fluyan fuentes de frescura muy gratas y que hacen pensar que el momento que vivimos sea el preámbulo de algo serio.

Que nivel de aceptación percibo en el espectador actual con respecto arte contemporáneo?
Esto esta en consecuencia del nivel del sector en que te muevas. Creo que en nuestro país el nivel de aceptación es bajísimo, ya que se carece de un bajo nivel de formación plástica.